¿Qué es el jazz modal? Guía para entender su sonido y discos clave

Si alguna vez en una jam session alguien ha soltado “esto es modal, tío” mientras sonaba un piano con acordes suspendidos y un saxo que se extendía sobre una base minimalista, y tú has asentido sin saber bien qué implicaba, esta guía es para ti. O si has escuchado Kind of Blue de Miles Davis y te ha parecido que “flota” más que otros discos de jazz, también. El jazz modal no es un subgénero cerrado: es una manera distinta de construir y de improvisar, y cambió el rumbo del jazz a finales de los cincuenta. Aquí vamos a desgranarlo —sin jerga académica, pero honrando los detalles que importan.

¿Qué es el jazz modal?

En una frase: el jazz modal es una aproximación a la improvisación en la que los músicos usan escalas (modos) como base armónica, en lugar de cambiar de acorde cada pocos compases. En el bebop clásico, la armonía se movía rápido: cada acorde duraba uno o dos tiempos y el improvisador tenía que seguir la progresión de cambios. En el modal, en cambio, se elige un modo (por ejemplo, dórico o mixolidio) y se mantiene durante largos pasajes, a veces diez o quince compases seguidos. Eso le da al músico más espacio para desarrollar ideas melódicas sin estar atado a una secuencia de acordes.

No quiere decir que no haya acordes: los hay, pero suelen ser más estáticos y menos densos. El piano o la guitarra tocan “voicings” (colocaciones de notas) que sugieren el modo, y el bajo suele repetir una nota pedal o un patrón corto. El resultado es una atmósfera más abierta y menos frenética que la del bebop, con solos que pueden alargarse sin perder coherencia.

¿De dónde viene? El contexto de la ruptura

El jazz modal nace como reacción a la complejidad armónica del hard bop y, sobre todo, del bebop. A finales de los años cincuenta, algunos músicos sintieron que el sistema de cambios de acorde rápidos estaba llegando a un callejón sin salida rítmica. El propio Miles Davis, que venía de tocar con Charlie Parker y de grabar discos de hard bop, buscaba una manera de tocar más lírica y menos pirotécnica. También influyó su relación con el compositor George Russell, que había teorizado sobre un “concepto modal” de la improvisación.

Davis formó un sexteto en 1958 con John Coltrane, Bill Evans (piano), Paul Chambers (bajo), Jimmy Cobb (batería) y Julian “Cannonball” Adderley (saxo alto). De esa banda salió el álbum Milestones (1958), cuya pieza homónima ya usaba dos modos. Pero el disco que puso el modal en el mapa fue Kind of Blue, grabado en marzo y abril de 1959. Davis había preparado a los músicos solo con esbozos de modos, sin acordes escritos. La mayoría de los temas —“So What”, “All Blues”, “Freddie Freeloader”— se sostienen sobre uno o dos modos. El resultado fue un éxito de ventas y una referencia que sigue siendo el disco de jazz más vendido de la historia.

Paralelamente, John Coltrane llevó la idea más lejos. En 1961 grabó My Favorite Things para el sello Atlantic, transformando una canción de Sonrisas y lágrimas en un mantra modal de 13 minutos. Coltrane repetía un patrón de acordes sobre un pedal de mi menor, y su saxo soprano desarrollaba solos que se alargaban sin prisa. Poco después, ya en su propio cuarteto con McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bajo) y Elvin Jones (batería), Coltrane expandió el modal hacia sonidos más libres y densos. Álbumes como A Love Supreme (1965) y Ascension (1966) partían de bases modales pero las llevaban al límite de la disonancia y la duración.

¿Cómo suena el jazz modal? Características reconocibles

Vamos a lo concreto. Si pones Kind of Blue, lo primero que notas es la sensación de espacio. El tema “So What” empieza con un patrón de bajo de dos notas (si bemol, mi bemol) que se repite, y el piano responde con un acorde de cuatro notas sin tercera. No hay cambios de acorde cada dos compases; el modo dórico (un tipo de escala menor con sexta mayor) se mantiene durante dieciséis compases, luego sube un semitono y vuelve. Es todo. Cuando el solista entra —Miles con su trompeta con sordina, o Coltrane con su saxo tenor—, no tiene que esquivar acordes que pasan rápido. Puede explorar líneas largas, repetir frases para crear tensión, y variar el ritmo sin que la armonía lo obligue a resolver.

En My Favorite Things, la base es un vamp (patrón repetitivo) de acordes de mi menor y fa mayor séptima. El patrón es casi hipnótico. Sobre eso, Coltrane toca melodías modales —escala de mi dórica— que a veces se convierten en ráfagas de notas (los llamados “sheets of sound”, pero eso es otra historia). La batería suena más libre que en el bebop: Elvin Jones golpea con menos dependencia del platillo “ride” y más caja y bombo en patrones que parecen un oleaje.

En términos generales, el modal suele tener:

• Armonía estática: pocos cambios, largos pasajes sobre un solo acorde o modo.
• Bajo pedal o figura repetitiva: el bajo no hace walking a toda velocidad, sino que sostiene una nota o un patrón rítmico constante.
• Piano o guitarra con voicings abiertos: acordes sin la tercera o con cuartas, como los “cuartales” que popularizó McCoy Tyner (acordes construidos por intervalos de cuarta en lugar de terceras).
• Solos extensos y narrativos: el improvisador cuenta una historia en lugar de competir para encajar en la progresión.
• Tensión gradual: los músicos pueden acumular tensión subiendo el registro, acelerando, o añadiendo disonancias sin tener que resolver en un acorde concreto.

No todo el modal es relajado. A Love Supreme tiene pasajes de una intensidad casi violenta, pero igualmente se sostienen sobre un modo (la escala de blues o pentatónica). La diferencia es que el ritmo es mucho más libre y la interacción entre los músicos es de pura energía.

Quién lo hizo grande: los nombres clave

Aquí van cinco nombres esenciales —no son todos, pero sí los que marcaron las direcciones principales.

Miles Davis: no inventó el concepto, pero sí lo popularizó con Kind of Blue. Su trompeta en modo dórico es un manual de fraseo melódico. Además, más tarde, en su etapa eléctrica de principios de los 70, volvió a usar modos en discos como Bitches Brew, aunque ya con fusión.

John Coltrane: llevó el modal hacia la espiritualidad y la libertad extrema. En A Love Supreme usó un patrón modal simple de cuatro notas que se repite, pero sobre él desarrolló una improvisación de una intensidad rara. Luego, en Ascension, el modal se convirtió en un trampolín hacia el free jazz.

Bill Evans: pianista del sexteto de Davis, su enfoque armónico —acordes con tensiones, uso de la escala de blues, voicings abiertos— fue clave para que Kind of Blue sonara como suena. Después, en sus propios tríos, aplicó el modal de forma más sutil y lírica.

McCoy Tyner: pianista del cuarteto de Coltrane durante los años 60. Desarrollo el sonido “cuartal” (acordes por cuartas) que se ha convertido en el sonido modal por excelencia. Su mano izquierda martilleaba acordes con quintas y octavas, y su mano derecha improvisaba con una energía implacable. Discos como The Real McCoy son ejemplos perfectos.

Wayne Shorter: saxofonista tenor y compositor. En los 60, con Miles Davis y en sus propios discos para Blue Note, compuso piezas modales que se convirtieron en estándares: “Footprints”, “Nefertiti”, “Maiden Voyage” (esta última con Herbie Hancock). Shorter aportó una sensibilidad melódica que equilibraba la abstracción modal con la accesibilidad.

Otros nombres relevantes: Herbie Hancock (piano, su disco Maiden Voyage es un manual de modal), Joe Henderson (saxo, Mode for Joe), Bobby Hutcherson (vibráfono) y, más contemporáneos, Kamasi Washington (saxo, ha revitalizado el sonido modal en el siglo XXI con su orquestación).

Cómo se vive en directo

Un concierto de jazz modal no se parece a una jam de bebop. Los temas suelen durar mucho más —ocho, doce, veinte minutos— porque los solos se toman tiempo. El público suele estar en silencio, escuchando con atención; no hay tanto ritmo de cabeza ni palmadas rápidas. La energía se construye lentamente. En clubs como el Jazz Bar de Madrid o el Jamboree de Barcelona, una noche modal puede ser hipnótica o, si el grupo no es bueno, aburrida. La clave está en la capacidad de los músicos para crear tensión y liberarla de forma orgánica. Cuando funciona, la sensación es de flotación y descubrimiento continuo.

Por dónde empezar a escuchar

1. Miles Davis – Kind of Blue (1959). El punto de entrada. Ponlo sin distracciones. Fíjate en cómo el piano de Bill Evans se sostiene sobre el bajo de Paul Chambers y cómo Miles frasesa con espacio. Un disco que no suena a “viejo”.

2. John Coltrane – My Favorite Things (1961). La pieza que abre el disco explica el modal de manera inmediata. Escucha cómo Coltrane usa el saxo soprano para dibujar melodías sobre el mismo patrón una y otra vez. Si te gusta, sigue con Live at the Village Vanguard (grabado en 1961).

3. McCoy Tyner – The Real McCoy (1967). Un ejemplo de cómo suena el piano modal maduro. La balada “Search for Peace” es un ejercicio de quietud modal.

4. Herbie Hancock – Maiden Voyage (1965). Cada tema está escrito sobre modos (dórico, frigio, lidio). Es elegante, asequible y muestra cómo el modal puede ser amable sin perder complejidad.

5. Joe Henderson – Mode for Joe (1966). Un disco de hard bop pero con fuerte base modal. La composición titular es un patrón modal repetitivo que Henderson y Lee Morgan explotan con fuerza.

Si quieres un ejemplo moderno, Kamasi Washington – The Epic (2015) tiene secciones modales largas y orquestadas. No es puro modal, pero demuestra que el enfoque sigue vivo.

En España

El jazz modal ha tenido una presencia constante, aunque no masiva. En la escena española, muchos músicos han abrazado este enfoque. Por ejemplo, el pianista Chano Domínguez ha fusionado el flamenco con el modal, sobre todo en discos como Hecho a mano (1995). El saxofonista Ximo Tébar ha grabado piezas modales en su repertorio. El bajista Javier Colina y el baterista Jorge Pardo también han trabajado con formas modales en sus respectivos proyectos.

En cuanto a salas, el Jazz Bar de Madrid (calle de la Bola) programa cada semana grupos que tocan estándares modales. En Barcelona, el Jamboree y el Harlem Jazz Club son lugares habituales. En festivales como el Festival de Jazz de San Sebastián o el Festival Internacional de Jazz de Getxo suele haber conciertos de músicos que abordan el repertorio modal. Y durante los últimos años, bandas jóvenes como The Soul Express Band o Santi de la Rubia Quartet han recuperado el sonido modal en sus directos.

El jazz modal sigue siendo una puerta de entrada —tanto para escuchar como para tocar— porque no requiere una educación armónica previa para disfrutarlo. Basta con dejarse llevar por una nota que se repite y ver hasta dónde llega.